En La Naval nº 26, publicado en julio de 2005 por la Prensa de la República de Cartagena, el dossier “Tipos raros en el paisaje” se presenta como una exploración híbrida entre crónica visual, ensayo artístico y cuaderno de campo, tomando como punto de partida la experiencia desarrollada en Almería en 2004, donde un grupo de creadores —entre ellos el cartagenero Ángel Mateo Charris, figura clave de la neometafísica española — se propuso rastrear la presencia de personajes, objetos y situaciones que rompen la lógica habitual del territorio. El proyecto, concebido inicialmente como una serie de intervenciones discretas en parajes semiáridos, evolucionó hacia una reflexión más amplia sobre la identidad del paisaje contemporáneo, entendido no solo como escenario natural sino como un tejido de historias mínimas, anomalías culturales y gestos cotidianos que revelan la tensión entre memoria, turismo, abandono y reinvención. A través de textos breves, fotografías intervenidas y notas casi diarísticas, la publicación reconstruye un itinerario que va desde los invernaderos que brillan como espejos rotos hasta los pueblos fantasma donde aún resuenan ecos del spaghetti western, incorporando además testimonios ficticios de pastores, vigilantes de carreteras y antiguos mineros que aportan una dimensión narrativa a medio camino entre el humor, la melancolía y la crítica social. El resultado es un mosaico que combina documentación y fabulación para mostrar cómo, en los márgenes del mapa, surgen esos “tipos raros” —personas, formas y presencias— que obligan a mirar el territorio con otros ojos, revelando que el paisaje, más que un fondo estático, es un organismo vivo en permanente negociación entre lo visible y lo imaginado.

La colección de libros de La Naval se configura como un territorio amplio donde convergen fotografía, dibujo, ensayo y experimentación material, y donde cada volumen aporta una mirada singular que, sin embargo, dialoga con las demás. Fachadas y Fachadas II, de Juan Manuel Díaz Burgos, abren el conjunto con un doble retrato de la arquitectura cotidiana: primero desde la frontalidad casi tipológica, donde los muros y portales se convierten en pieles urbanas cargadas de tiempo, y después desde un enfoque más narrativo y humano, donde las fachadas funcionan como umbrales que revelan historias, presencias y gestos. A su lado, Analógico, de John Van Sickle y Charris, reivindica la materialidad de la imagen a través de composiciones híbridas que mezclan fotografía, dibujo y objetos encontrados, proponiendo un ritmo lento y táctil que celebra el error, la huella y el proceso manual.

Otros libros expanden esta sensibilidad hacia territorios más experimentales. Encapsulados reúne objetos mínimos —frascos, cajas, recortes— que funcionan como microarchivos de memoria y ficción, mientras que Escala 1:05, de FOD, juega con la miniatura y la distorsión para inventar mundos paralelos donde lo cotidiano adquiere monumentalidad y lo monumental se vuelve juguete. En un registro más directo y humorístico, Enjoy, de Fernando Renes, despliega un cuaderno de dibujos y textos breves que combinan ironía, ternura y observación crítica, y SOS Centro de Emergencias Estéticas, de Pablo Helguera, parodia los lenguajes institucionales del arte contemporáneo para reflexionar sobre sus crisis, excesos y contradicciones. La fotografía encuentra otro tono en Plossu, un volumen de imágenes en blanco y negro donde la figura humana aparece como presencia fugaz, y el dibujo adquiere un carácter inquietante y lúdico en Dibujos, de Paco Pomet, donde lo cotidiano se distorsiona hasta volverse extraño.

La colección se completa con dos libros que dialogan directamente con la práctica artística contemporánea. El volumen dedicado a Sophie Calle, firmado por Luis Ángeles, construye un ensayo visual que sigue las huellas de la artista francesa, replicando sus métodos y activando sus preguntas sobre intimidad, vigilancia y narración. Por su parte, Campo-Óptico, de Daniel Verbis y Fernando Castro Flórez, explora la pintura como territorio expandido, combinando texturas, materiales y estructuras que desbordan el lienzo con un texto que reflexiona sobre la percepción, el cuerpo y la imagen como campo de batalla sensorial. En conjunto, todos estos libros conforman un museo portátil de sensibilidades contemporáneas: un ecosistema de miradas que convierte lo cotidiano en un espacio de pensamiento, donde cada obra es autónoma pero todas comparten una misma voluntad de observar, cuestionar y reinventar la experiencia visual.

Proyecto Bienvenidos a La Boca se integra en el apartado de otras publicaciones de Galería La Naval como una edición especial que celebra la mirada humanista y profundamente narrativa del fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos. El libro propone un viaje visual a un enclave costero donde la vida cotidiana se despliega con una mezcla de calma, tradición y espontaneidad. A través de imágenes en blanco y negro de gran sensibilidad, el autor captura escenas que oscilan entre lo íntimo y lo colectivo: cuerpos que se sumergen en el agua, gestos suspendidos en el tiempo, miradas que se pierden en el horizonte y espacios que revelan la identidad de una comunidad marcada por el mar.

La publicación funciona como un retrato emocional de un lugar que, aunque concreto, se convierte en símbolo universal de pertenencia y memoria. Cada fotografía actúa como una ventana hacia historias mínimas que, al reunirse, construyen un relato mayor sobre la relación entre las personas y su entorno. La Naval presenta este proyecto como una pieza editorial que no solo documenta, sino que también invita a contemplar, detenerse y reconocer la belleza de lo cotidiano. El libro se convierte así en un objeto de colección que prolonga la vocación de la galería por difundir proyectos que dialogan con la identidad mediterránea y con la fuerza poética de la imagen.

Una reflexión irónica y provocadora sobre el valor del arte y sus mitologías contemporáneas. Charris desmonta con humor y lucidez las narrativas que rodean la creación artística, cuestionando la autenticidad, el mercado y la solemnidad cultural. Con la voz inesperada de Kodo Sawaki como contrapunto filosófico, el libro combina crítica, juego intelectual y una mirada escéptica que invita a reconsiderar qué entendemos por arte y por qué lo veneramos.

Las tres piezas de FOD que aparecen en la imagen —FOD 01, FOD 02 y FOD 03— pueden entenderse como una misma obra desplegada en variaciones, un sistema modular que combina juego, mecánica y percepción. Cada una de ellas funciona como un dispositivo visual y físico que invita a pensar en la relación entre estructura, azar y movimiento. Aunque su apariencia es mínima —madera, colores primarios, números, esferas—, el conjunto construye un lenguaje propio, casi pedagógico, donde lo lúdico y lo conceptual se entrelazan.

FOD 01 presenta el sistema en su forma más abierta y frontal: una superficie dividida en franjas de color numeradas del 2 al 7, flanqueada por dos guías verticales negras y acompañada por un conjunto de esferas rojas y verdes. La pieza recuerda a un tablero científico o a un instrumento de medición, pero también a un juego abstracto cuyo funcionamiento no se revela del todo. Esa ambigüedad es clave: el espectador reconoce la lógica interna —la repetición, la simetría, la codificación numérica—, pero no su propósito. La obra se sitúa así en un territorio intermedio entre el objeto funcional y la escultura conceptual.

FOD 02 introduce una variación significativa: el mismo sistema aparece ahora enmarcado dentro de una caja de madera, como si se tratara de un prototipo, un experimento o un artefacto conservado. La presencia del marco transforma la lectura: lo que antes era un tablero abierto se convierte en un objeto más íntimo, casi museístico. Las esferas rojas alineadas en el lateral refuerzan la idea de mecanismo, de piezas que pueden activarse o desplazarse. La obra adquiere un carácter más físico, más táctil, como si invitara a imaginar su manipulación sin permitirla realmente.

FOD 03 funciona como el reverso o la clausura del sistema: una tapa de madera marcada con el sello “FOD” y la numeración “1/9”. Esta pieza introduce la noción de serie, de edición limitada, y convierte al conjunto en un objeto que podría pertenecer tanto a un archivo como a un taller. La tapa no muestra el mecanismo, pero lo sugiere; no enseña el funcionamiento, pero lo contiene. Es la parte más silenciosa y, al mismo tiempo, la que dota de sentido al conjunto, porque lo sitúa dentro de una lógica de colección, de proceso y de repetición controlada.

Leídas juntas, estas tres obras de FOD construyen un pequeño universo donde la forma es sistema, el color es código y el objeto es a la vez herramienta y enigma. Funcionan como artefactos que podrían pertenecer a un laboratorio, a un aula o a un museo, pero que en realidad operan en un espacio conceptual propio: el de la mecánica poética. La serie invita a pensar en cómo organizamos la información, cómo interpretamos los signos y cómo un simple conjunto de números, colores y piezas puede activar una experiencia estética compleja.

Las obras de Javier Arce que reinterpretan la estampa ¡Grande hazaña! Con muertos funcionan como un único gesto crítico desplegado en variación: un ejercicio de apropiación donde el artista toma una imagen histórica cargada de violencia y la reactiva desde el presente para cuestionar cómo representamos, recordamos y procesamos los episodios traumáticos. Al reproducir y transformar el grabado, Arce no busca repetir su crudeza, sino examinar la distancia entre el hecho y su representación, entre el horror real y la imagen que lo fija; la repetición introduce matices, desplaza el sentido y convierte la obra en un espacio de lectura activa donde cada versión revela una capa distinta de memoria, política y mirada. En conjunto, estas piezas operan como una arqueología visual que enlaza pasado y presente, mostrando cómo las imágenes heredadas siguen modelando nuestra comprensión de la violencia y cómo el arte puede intervenir en esa memoria para abrir nuevas preguntas.

Los Mares del Tiki se incorpora al apartado de otras publicaciones de Galería La Naval como un libro que combina viaje, mito y estética polinesia para construir un universo visual cargado de exotismo contemporáneo. La obra, firmada por Charris y Lotus Eater, propone una reinterpretación libre del imaginario tiki, alejándose de la visión turística para explorar su dimensión simbólica, ritual y narrativa. A través de ilustraciones, escenas ficticias y paisajes reinventados, el libro despliega un territorio híbrido donde conviven tradición insular, fantasía pop y una mirada crítica hacia la apropiación cultural.

El proyecto funciona como una travesía por mares imaginados, islas que parecen surgir de un sueño y personajes que actúan como guardianes de un folclore reinterpretado. Cada página se convierte en un fragmento de un relato mayor, donde el color, la iconografía y la composición construyen un lenguaje propio. La Naval presenta esta publicación como un objeto artístico que dialoga con la cultura visual contemporánea y con la capacidad del libro para convertirse en espacio de experimentación. Más que un simple volumen ilustrado, Los Mares del Tiki es una invitación a navegar entre símbolos, geografías inventadas y ecos de un mundo que mezcla lo ancestral con lo moderno.

Una obra contemplativa que explora la memoria, la espera y la relación íntima entre el ser humano y los lugares que parecen suspendidos en el tiempo. Puerto Eterno sigue a un personaje que se detiene frente a un muelle envuelto en niebla, un espacio donde pasado y presente se confunden y donde cada silencio revela una historia. Juan Blanco construye un relato atmosférico, cargado de quietud y melancolía, que invita a reflexionar sobre lo que permanece, lo que se desvanece y la forma en que habitamos nuestros propios puertos interiores.

Proyecto Coyote se presenta como una intervención artística concebida por Galería La Naval para explorar la relación entre territorio, memoria y transformación contemporánea. El proyecto parte de la figura simbólica del coyote —animal fronterizo, adaptable y astuto— para reflexionar sobre los procesos de cambio cultural y urbano que atraviesan las ciudades mediterráneas. A través de una selección de obras multidisciplinares, que incluyen instalación, fotografía, escultura y experimentación digital, la propuesta construye un relato que oscila entre lo salvaje y lo doméstico, lo visible y lo oculto, lo que permanece y lo que muta.

La exposición plantea un recorrido que invita al visitante a cuestionar los límites entre naturaleza y artificio, así como la manera en que habitamos los espacios que compartimos. Cada pieza funciona como un fragmento narrativo que dialoga con el imaginario del coyote: su capacidad de supervivencia, su presencia silenciosa en los márgenes y su papel como metáfora de resistencia ante los procesos de homogeneización cultural. El proyecto también incorpora elementos sonoros y visuales generados mediante técnicas contemporáneas, reforzando la idea de un ecosistema híbrido donde conviven tradición y tecnología.

La Naval Nómada se plantea como una extensión itinerante del espíritu de Galería La Naval, concebida para llevar su programación artística más allá de su espacio físico y activar nuevos contextos de exhibición. El proyecto nace con la voluntad de generar encuentros culturales en movimiento, ocupando temporalmente otros territorios —tanto urbanos como naturales— y estableciendo diálogos con comunidades, instituciones y paisajes que enriquecen la lectura de cada propuesta. Esta vocación nómada permite que las exposiciones respiren de forma distinta, adaptándose al lugar y transformándose con él.

La iniciativa reúne intervenciones site‑specific, muestras colectivas y proyectos individuales que se despliegan en espacios no convencionales: antiguas fábricas, patios, edificios históricos, playas o enclaves rurales. Cada activación busca cuestionar la idea de frontera entre centro y periferia, entre lo estable y lo efímero, proponiendo una experiencia artística que se construye desde el desplazamiento y la observación del entorno. La Naval entiende este formato como una oportunidad para ampliar su alcance, fomentar nuevas colaboraciones y acercar el arte contemporáneo a públicos diversos.